Hva er japansk teater? Typer japansk teater. Teater nr. Kyogen-teatret. kabuki teater

2024 Forfatter: Leah Sherlock | [email protected]. Sist endret: 2023-12-17 05:45

Japan er et mystisk og særegent land, hvis essens og tradisjoner er svært vanskelige for en europeer å forstå. Dette skyldes i stor grad at landet fram til midten av 1600-tallet var stengt for verden. Og nå, for å føle Japans ånd, for å kjenne dens essens, må du vende deg til kunst. Det uttrykker kulturen og verdensbildet til folket som ingen andre steder. En av de eldste og nesten uforandrede kunstformene som har kommet ned til oss, er det japanske teateret.

Historien om japansk teater

Røttene til japansk teater går tilbake til en fjern fortid. For rundt halvannet tusen år siden penetrerte danser og musikk Japan fra Kina, Korea og India, og buddhismen kom fra fastlandet - dette øyeblikket regnes som begynnelsen på teaterkunstens fødsel. Siden den gang har teatret eksistert på kontinuitet og bevaring av tradisjoner. Forskere antyder at det japanske teateret inneholder til og med deler av det eldgamle dramaet. Dette kunnefremme landets forbindelse med de hellenistiske statene i Lilleasia, samt India og Kina.

Hver teatersjanger som kom fra dypet av århundrer har beholdt sine opprinnelige lover og individualitet. Dermed er skuespillene til dramatikere fra den fjerne fortiden satt opp i dag etter de samme prinsippene som for mange århundrer siden. Æren for dette tilhører skuespillerne selv, som bevarer og viderefører eldgamle tradisjoner til studentene (vanligvis barna deres), og danner skuespillerdynastier.

Birth of theatre

Teatrets fødsel i Japan er assosiert med utseendet på 700-tallet av Gigaku-pantomimen, som betyr "skuespillkunst", og Bugaku-dansen - "kunsten å danse". En annen skjebne rammet disse sjangrene. Gigaku okkuperte scenen til teatrene frem til 1000-tallet, men tålte ikke konkurransen med mer komplekse pantomimesjangre og ble tvunget ut av dem. Men Bugaku fremføres i dag. Først ble disse forestillingene slått sammen til tempelfestligheter og gårdsplassseremonier, deretter begynte de å bli fremført separat, og etter gjenopprettelsen av makten blomstret denne sjangeren av japansk teater og fikk enda større popularitet.

Tradisjonelt skilles følgende typer japansk teater: no, eller nogaku, beregnet på aristokratiet; kabuki, et teater for vanlige folk, og bunraku, et dukketeater.

Tradisjonelt japansk teater i dag

I moderne tid kom europeisk kunst til Japan, og følgelig moderne teater. Masseforestillinger i vestlig stil, opera og ballett, begynte å dukke opp. Men det tradisjonelle japanske teatret klarte å forsvare sin plass og ikke miste popularitet. Ikke verdt dettror han er en tidløs sjeldenhet. Skuespillere og tilskuere er levende mennesker. Gradvis endres deres interesser, smak, oppfatninger. Uunngåelig penetrasjon av moderne trender i den etablerte og utviklende teatralske formen i århundrer. Dermed ble tidspunktet for forestillingen redusert, selve handlingstakten akselerert, for i dag har ikke betrakteren like mye tid til ettertanke som det var for eksempel i middelalderen. Livet dikterer sine egne lover, og teatret tilpasser seg dem gradvis.

Aristokratiets teater, men

Teatret ble født på 1400-tallet og fikk stor popularitet blant aristokratiet og samuraiene. Den var opprinnelig ment eksklusivt for overklassen i Japan.

Teatret har utviklet seg over mange århundrer og har blitt en nasjonal tradisjon, med en dyp filosofisk og åndelig mening. Landskapet er enkelt, hovedvekten er på masker, hvis betydning understrekes av kimonoen. Kimonoer og masker går i arv fra generasjon til generasjon på hver skole.

Stykket ser slik ut. Shite (hovedpersonen) til lyden av fløyter, trommer og et kor forteller historier om fredelig liv og kamper, seire og nederlag, mordere og munker, hvis helter vil være ånder og dødelige, demoner og guder. Fortellingen er absolutt gjennomført på et arkaisk språk. Men - den mest mystiske sjangeren av japansk tradisjonell teater. Dette forklares med den dype filosofiske betydningen ikke bare av selve maskene, men også av alle detaljene i forestillingen, som har en hemmelig mening, bare tilgjengelig for en sofistikert seer.

Teatralskforestillingen varer fra tre og en halv til fem timer og inneholder flere stykker som veksler med danser og miniatyrer fra vanlige menneskers liv.

masker men

Men - Japansk masketeater. Masker er ikke knyttet til noen spesiell rolle, de tjener til å formidle følelser. I kombinasjon med de symbolske handlingene til skuespillerne og musikken, skaper maskene en unik atmosfære i Tokugawa-teatret. Selv om det ved første øyekast er vanskelig å tro at masker egentlig ikke tjener til å formidle følelser. Følelser av tristhet og glede, sinne og ydmykhet skapes av lysets spill, de minste vippene på skuespillerens hode, komposisjoner av talekoret og musikalsk akkompagnement.

Det er interessant at forskjellige skoler bruker forskjellige kimonoer og masker til de samme forestillingene. Det er masker som brukes til noen roller. I dag er det rundt to hundre masker som har overlevd til i dag og er laget av japansk sypress.

Performances but

Teatret er fremmed for realisme og bygget snarere på publikums fantasi. På scenen, noen ganger uten kulisser i det hele tatt, utfører skuespillerne et minimum av handlinger. Karakteren tar bare et par skritt, men fra hans taler, gester og korakkompagnement viser det seg at han har kommet langt. To helter som står side om side, legger kanskje ikke merke til hverandre før de står ansikt til ansikt.

Hovedsaken for teateret er gester. Gester kombinerer både de som har en viss betydning, og de som brukes på grunn av skjønnhet og ikke har noen betydning. En spesiell intensitet av lidenskaper i dette teateret formidles av fullstendig stillhet ogmangel på bevegelse. Det er veldig vanskelig for en uerfaren seer å forstå hva som skjer på scenen i slike øyeblikk.

Kyogen Theatre

Japansk kyogen-teater dukket opp nesten samtidig med but-teateret, men det skiller seg sterkt fra det i tema og stil. Men - teateret for drama, opplevelser og lidenskaper. Kyogen er en farse, en komedie fylt med enkle vitser, uanstendig og tomt oppstyr. Kyogen er tilgjengelig for alle, meningen med stykket og handlingene til skuespillerne trenger ikke å tydes. Tradisjonelt fungerer kyogen-skuespill som et mellomspill i noh-teatralske forestillinger.

Repertoaret til Kyogen-teatret inkluderer skuespill fra 1400- og 1500-tallet. Dette er rundt to hundre og seksti verk, hvor forfatterne stort sett er ukjente. Helt til slutten av 1500-tallet ble skuespill ført fra munn til munn fra lærer til elev og ble ikke skrevet ned på papir. Det var først mot slutten av 1600-tallet at skrevne medier begynte å dukke opp.

Det er en klar klassifisering av skuespill i kyogen:

• om gudene;
• om føydale herrer;
• om kvinner;
• om onde ånder osv.

Det er produksjoner som fremhever mindre familieproblemer. De spiller på inkonstansen til menn og kvinners list. De fleste skuespillene er viet en tjener som heter Taro.

Kyogen-karakterer er vanlige mennesker hvis liv ikke skjer noe spesielt viktig. I begynnelsen av stykket introduseres alle karakterene for publikum. Teaters skuespillere er delt inn i grupper: hoved - sit, sekundær - ado, tredje - koado, fjerde i viktighet - chure og femte i betydning.betydning - tomo. De største kyogen-skuespillskolene er Izumi og Okura. Til tross for at noh og kyogen er beslektet, er skuespillerne for disse teatrene trent separat.

Japansk kyogen-teatersjanger har tre typer kostymer:

• Mr;
• tjenere;
• kvinner.

Alle kostymer er laget etter mote på 1500- og tidlig 1600-tallet. Noen ganger kan masker brukes i teaterforestillinger. Men dette er ikke masker, men uttrykk for følelser, de er masker som bestemmer rollen til karakteren: en gammel kvinne, en gammel mann, en kvinne, en demon, en gud, dyr og insekter.

Etter slutten av andre verdenskrig ble kyogen-teatret oppdatert, og stykkene begynte å bli fremført uavhengig, og ikke bare som en del av noh-teaterforestillingene.

Kabuki - tempeldanserteater

Kabuki-forestillinger ble opprinnelig designet for alle. Kabuki-teateret dukket opp i begynnelsen av Tokugawa-tiden og er assosiert med navnet på tempeldanseren og datteren til smeden Izumo no Okuni.

Jenta flyttet til Kyoto på 1600-tallet, hvor hun begynte å utføre rituelle danser på bredden av elven og i sentrum av hovedstaden. Etter hvert begynte romantiske og erotiske danser å komme inn på repertoaret, og musikere ble med på forestillingen. Over tid økte ytelsen hennes i popularitet. Okuni klarte raskt å kombinere danser, ballader, dikt til en enkelt helhet i forestillinger, og skapte det japanske kabuki-teateret. Bokstavelig t alt er navnet på teatret oversatt som "kunsten å synge og danse." På dette tidspunktet var det bare jenter som deltok i forestillingene.

Teatrets popularitet vokste,ofte begynte høytstående innbyggere i hovedstaden å bli forelsket i troppens vakre dansere. Regjeringen likte ikke denne tilstanden, spesielt siden det begynte å arrangere kamper for kjærligheten til skuespillerinner. Dette, i tillegg til altfor eksplisitte danser og scener, førte til at det snart ble utstedt et dekret som forbød kvinner å delta i forestillinger. Så onna kabuki, kvinneteateret, sluttet å eksistere. Og på scenen var det et mannlig japansk teater - wakashu kabuki. Dette forbudet gjaldt alle teaterforestillinger.

På midten av 1800-tallet ble dekretet offisielt kansellert. Imidlertid har tradisjonen med å utføre alle roller i forestillinger av menn blitt bevart til i dag. Dermed er det kanoniske japanske teateret det mannlige japanske teateret.

Kabuki i dag

I dag er japansk kabuki-teater den mest populære av de tradisjonelle dramatiske kunstene. Teaterskuespillere er kjente i landet og inviteres ofte til TV- og filminnspillinger. Kvinners roller i mange tropper begynte igjen å bli utført av kvinner. Dessuten har det dukket opp kun kvinnelige teatergrupper.

essensen av kabuki-teatralske forestillinger

Kabuki teater legemliggjør verdiene fra Tokugawa-tiden, de danner grunnlaget for handlingene. Dette er for eksempel rettferdighetsloven, som legemliggjør den buddhistiske ideen om å belønne en lidende person og uunnværlig straff for en skurk. Også den buddhistiske ideen om det jordiskes forgjengelighet når høyfødte familier eller mektige ledere mislykkes. Konflikt kan ofte være basert på et sammenstøt avKonfucianske prinsipper som plikt, plikt, respekt for foreldre og personlige ambisjoner.

Sminke og kostymer samsvarer så godt som mulig med rollene som skuespillerne har. Oftest tilsvarer kostymene moten fra Tokugawa-tiden, er elegante og stiliserte så mye som mulig. Masker brukes ikke i forestillinger, de erstattes av den mest komplekse sminken, som gjenspeiler rollens innhold. Også i forestillinger brukes parykker, som er klassifisert etter karakterenes sosiale status, alder og yrke.

Bunraku Theatre

Bunraku er et japansk dukketeater. Noen ganger kalles det også feilaktig joruri. Joruri er navnet på en bunraku-teaterforestilling og samtidig navnet på en av dukkene, den uheldige prinsessen. Det var med ballader om denne heltinnen at teatret begynte. I utgangspunktet var det ikke en dukke, og vandrende munker sang sanger. Gradvis ble musikere med på forestillingen, publikum begynte å bli vist bilder som skildrer karakterene. Og senere ble disse bildene til dukker.

Det viktigste i teatret er gidayu - en leser hvis ferdigheter suksessen til hele forestillingen avhenger av. Leseren utfører ikke bare monologer og dialoger, hans oppgave er også å lage de nødvendige lyder, lyder, knirk.

På midten av 1600-tallet hadde hovedkanonene for musikalsk fremføring og resitasjon i bunraku utviklet seg, men selve dukkene fortsatte å endre seg i lang tid. Over tid oppsto teknikken med å kontrollere én dukke av tre personer. Japans bunraku-teater har en eldgammel tradisjon for å lage dukker. De har ikke en kropp, den er erstattet av en rektangulær treramme sammenflettet med tråder for å kontrollere hodet,hender og føtter. Dessuten er det bare mannlige dukker som kan ha ben, og selv da ikke alltid. Mange lag med klær er lagt på rammen, noe som gir volum og likhet med den menneskelige figuren. Hodet, armene og om nødvendig bena er avtagbare og settes på rammen om nødvendig. Armene og bena er ekstremt bevegelige og laget slik at dukken kan bevege til og med en finger.

Dukkekontrollteknikken har forblitt den samme, selv om den er forbedret - tre skuespillere trengs for å manipulere en dukke, hvis høyde er to tredjedeler av en persons høyde. Skuespillerne skjuler seg ikke for publikum, men er rett der på scenen, de er kledd i svarte masker og kapper. Backstage, scenekulisse, gardin og musikernes plattform har også svart farge. Mot dette bakteppet skiller landskap og dukker i fargerike antrekk og med hvitm alte hender og ansikter seg ut.

Hovedtemaet for bunraku-teateret er bildet av sammenstøt mellom følelser og plikt, "vekter" og "ninja". I sentrum av historien er en person utstyrt med følelser, ambisjoner, et ønske om å nyte livet. Han er imidlertid hindret av opinionen, plikter, sosiale og moralske normer. Han må gjøre det han ikke vil. Som et resultat fører konflikten mellom plikt og personlig ambisjon til tragedie.

Theatrical shadows

Skyggeteateret har sine røtter i oldtiden. Asia regnes for å være opprinnelsesstedet, og det nådde sin største velstand i Kina. Det var her japansk skyggeteater kom fra.

I utgangspunktet ble figurer brukt i forestillinger,kuttet ut av papir eller lær. Scenen var en treramme dekket med hvitt tøy, bak som skuespillerne gjemte seg, kontrollerte figurene og sang. Retningslyset reflekterte actionfigurene på skjermen.

Skyggeteater i forskjellige områder hadde sine egne typer figurer og repertoar av sanger fremført.

Yose Theatre

Yose er et tradisjonelt japansk tegneserieteater. Den oppsto på 1600-tallet, og de første forestillingene ble holdt i friluft. Men med teatrets popularitet begynte det å dukke opp spesielle hus for slike forestillinger - yoseba.

Teaterstykkene tilhører rakugo-sjangeren - satiriske eller komiske historier, alltid med en uventet slutt, fylt med ordspill og vitser. Disse historiene utviklet seg fra anekdoter laget av rakugoka – profesjonelle historiefortellere.

En artist kledd i kimono setter seg ned på en pute midt på scenen, vanligvis med et håndkle og en vifte i hendene. Heltene i historien var mennesker av forskjellige klasser, emnet for historiene var ikke begrenset av noe. Det eneste konstante var at historiene var morsomme, relatert til politiske, innenlandske, aktuelle og historiske situasjoner.

De fleste av historiene ble skapt under Edo- og Meiji-perioden, så de beskrevne tradisjonene, livet og problemene er lite kjente og fremmede for den moderne seeren. I denne forbindelse skriver mange rakugo-skuespillere satiriske historier om aktuelle spørsmål selv.

Manzai er en annen sjanger. Dette er en komisk dialog, dens røtter går tilbake til tradisjonelle nyttårsforestillinger, som ble akkompagnert av sanger, danser og utspill.komediescener. Gradvis kom elementer av farse, musikaler og andre sjangre inn i manzai, noe som gjorde den enda mer populær og gjorde at den kom på TV.

Yose teater er også representert av sjangrene nanivabushi (en slags ballade) og kodan (skjønnlitteratur). Kodan er en historie basert på fremføringen til omreisende artister. Det opprinnelige temaet for historiene (fortidens kamper) utvidet seg, og det inkluderte familiekonflikter, rettssaker til legendariske dommere, politiske hendelser, uvanlige saker i vanlige borgeres liv. Imidlertid ble ikke alle temaer oppmuntret av myndighetene. Ofte ble forestillinger til og med forbudt.

Synopsis

Tradisjonelt japansk teater er en flerfarget og kompleks verden, hvis elementer er skuespillere, musikere, masker, kulisser, kostymer, sminke, dukker, danser. Alt dette danner en unik og uforlignelig mystisk verden av japansk teaterkunst.