Avantgarde i musikk: funksjoner, representanter, historie og interessante fakta

2024 Forfatter: Leah Sherlock | [email protected]. Sist endret: 2023-12-17 05:45

Det 20. århundre er epoken med dristige eksperimenter innen kunst. Komponister, kunstnere, poeter og forfattere lette etter nye virkemidler som kunne bidra til å vise moderniteten i alle dens motsetninger og kontraster, for å gjenspeile de turbulente hendelsene i deres tid i deres verk. I sitt kreative søk gikk de i forskjellige retninger, og fikk likesinnede og følgere. Dermed ble det dannet nye avantgardetrender innen kunst.

Avantgarde-innovasjon

Det er mange nye trender innen klassisk musikk. Komponister som A. Schoenberg, V. Shcherbachev, A. Mosolov og andre eksperimenterte med tonalitet, noe som førte til at den ble ødelagt. Andre komponister vendte oppmerksomheten mot tilnærmingen til musikalsk lyd, og forsøkte å skape nye former for lyd og nye musikkinstrumenter, i tillegg til å bruke lydene fra instrumenter langt fra musikk (for eksempel en skrivemaskin) i komposisjonene sine.

Komponistene av "Novoven-skolen" skapte nye teknikker og prinsipper for komposisjon (dodekafoni, seriemusikk). Det stilles spørsmål ved melodiens dominerende plassi arbeidet. Rytmen kommer i forgrunnen. Avantgarden i klassisk musikk feier bort alle grunnlag og regler, og etablerer nye.

For eksempel brukte komponistene F. Glass, S. Reich og T. Riley primitivismens teknikk – etterligning av naturens lyder, og streber etter naturlighet og enkelhet.

Avantgarden i musikken til den amerikanske komponisten J. Cage manifesterer seg i det faktum at prosessen med å komponere et verk er basert på prinsippet om «terninger»: lyder er uforutsette ulykker, usikkerhet.

Dermed er avantgarden i musikk representert av spesifikke sjangere: musikalsk ekspresjonisme, sonorisme, seriemusikk, aleatorikk og mange andre områder.

Spesifikk musikk

"Concrete" er en aktuell, en stil av avantgarde musikk som erstatter musikalske lyder med ulike lyder (akustiske og naturlige effekter). For første gang begynte teknikken til konkret musikk å bli brukt i hans arbeid av den franske komponisten Pierre Schaeffer. Et av hans mest kjente verk er «Symphony for one person», som presenterer en viss sekvens av lyder, som minner om et lydspor for en teaterforestilling.

Avantgarden i Schaeffers musikk manifesterte seg i det faktum at han søkte å frigjøre seg fra instrumentet og utøveren. Det var hans arbeid som fungerte som begynnelsen på skapelsen og utviklingen av elektronisk, og senere datamusikk.

ekspresjonisme

Avantgarden i det 20. århundres musikk er også representert av ekspresjonismen. Denne trenden i det musikalske feltet har fått mestutvikling i Tyskland og Østerrike. Den største representanten for denne trenden er Arnold Schoenberg. Musikken hans er fylt med dyp psykologi. Fortvilelse, maktesløshet, redsel, en affektiv tilstand finner en vei ut i Schoenbergs skrifter.

Ekspresjonistene var imot kontemplativ og passiv kunst, og ledet en person inn i en illusorisk verden, og ba om ikke å prøve å flykte fra det virkelige livets problemer. Melodiene i verkene deres er intermitterende og ødelagte. Dissonant harmoni råder.

Innovasjonen til ekspresjonistiske komponister er den serielle tilnærmingen: 12 lyder høres ut i en hvilken som helst sekvens, men gjentas ikke før resten høres. Denne tilnærmingen blir også referert til som "dodekafoni". Ekspresjonistisk musikk er preget av atonalitet.

Ekspresjonismen er nær romantikken ved at den også streber etter åndelig sensualitet og uttrykk for menneskelige erfaringer. Ekspresjonismen inkluderer verkene til A. Schoenberg, A. Webern, A. Berg, G. Mahler, I. Stravinsky, B. Bartok, de sene verkene til R. Wagner.

Pointillism

Anton Webern, en av grunnleggerne av New Vienna School, begynte å bruke teknikken pointillisme (prikket skrift) i sine skrifter. I den ble det viet mye oppmerksomhet til separat klingende lyder. Pointillismeteknikken ble brukt i deres arbeid av komponistene K. Stockhausen, L. Nono, P. Boulez.

Sonoristics

I avantgardemusikken inntar sonoristikk en betydelig plass. Lydgrunnlaget for denne strømmen er klangkomplekser, lydmasser ("sonorer"), udelt i tid. Sonor er en spesiell fargelegging av lyden, som har en viss estetisk innvirkning. Når den oppfattes, mister tonehøyden til en individuell lyd sin uttrykkskraft. Noen verk av K. Penderetsky, V. Lutoslavsky, S. Gubaidulina, A. Eshpay, K. Stockhausen regnes som de lyseste eksemplene på sonorant harmoni.

Aleatorica

Aleatorica ("terninger") er en spesiell komposisjonsteknikk som involverer en tilfeldig kombinasjon av lyder. For eksempel, i stedet for å komponere musikk, kaster en aleatorisk komponist terninger og oversetter de resulterende tallene til noter. Eller sprut maling på noteark. Slike komponister var V. Lutoslavsky og P. Boulez.

Musikk av den russiske avantgarden

Russiske avantgarde-artister fra tidlig på 1900-tallet var Alexander Skrjabin med sin originale harmoni og teknikk, Nikolai Myaskovsky og Vladimir Rebikov, samt andre innovative komponister som legemliggjorde symbolismens estetiske idealer i sitt arbeid.

Noen komponister forlot dur-moll-systemet, den vanlige formen og strukturen til et musikkstykke. De begynte å lete etter nye harmonier, klangfarger, rytmer. Komponistene N. Obukhov, L. Sabaneev, I. Vyshnegradsky og andre ga det teoretiske grunnlaget for originale tonehøydesystemer.

Musikk fra den nye tiden

Noen komponister fra den unge sovjetstaten utviklet i sitt arbeid ideen om å erstatte melodien med lyder. Støymusikk er en trend som ble unnfanget så nært som mulig til proletariatets behov og liv. Et bemerkelsesverdig eksempel på dette området er Avraamovs "Symphony of Horns", som er basert på en kombinasjon av ulike lyder fra industrien: disse er motorhorn, lokomotivfløyter, pistolskudd.

Grensen mellom høy kunst og "lavere kunst" ble praktisk t alt ødelagt av avantgardistene. Komponister regnet med et bredt publikum som brakte musikken nærmere arbeidernes liv, og tok ofte vekk fra musikkkunstens høyeste mål: å løfte sinnene vakkert.

Noen verk fra avantgardetiden har allerede mistet sin estetiske verdi og aktualitet, og forblir bare interessante for musikkforskere. Men det er også mange verk som har gått inn i verdensklassikeres skattkammer og har fått anerkjennelse fra både samtiden til komponistene som skapte dem, og deres etterkommere.