Belcanto er en teknikk for virtuos sang. Vok altrening. operasang

2024 Forfatter: Leah Sherlock | [email protected]. Sist endret: 2023-12-17 05:45

Lange linjer med musikalske fraser, melodiske passasjer og graces, fantastisk stemmekontroll og finslipt skjønnhet i virtuos sang. På begynnelsen av 1500- og 1600-tallet oppsto det en sangskole i Italia, som ga verden en utøvende vok alteknikk, som italienerne, grådige til pretensiøse termer, ga navnet bel canto (bel canto) - "vakker sang". La oss ikke overdrive, og markerer denne perioden som begynnelsen på storhetstiden for teatervokal og utgangspunktet for videreutviklingen av operasjangeren.

The Birth of Opera: Florence

De første operaene som dukket opp i den beskrevne tidsperioden skylder sin fødsel til medlemmer av en liten krets av elskere av gammel kunst, dannet i Firenze og gikk inn i musikkhistorien under navnet "Florence Camerata". Fans av den antikke greske tragedien drømte om å gjenopplive den tidligere glansen til denne sjangeren og var av den oppfatning at skuespillerne ikke snakket, men sang ordene ved å bruke resitativ, en melodisk jevn overgang av lyder, for å gjengi teksten.

De første verkene skrevet om handlingen til den antikke greske myten om Orpheus ble drivkraften til fødselen av en ny musikalsk sjanger- operaer. Og solovokaldelene (ariene) som fungerte som dens integrerte del tvang sangerne til seriøst å engasjere seg i stemmetrening, som var årsaken til fremveksten av kunsten å vakker sang - bel canto. Dette innebar evnen til å fremføre dvelende melodiske fragmenter med et langt åndedrag, samtidig som man opprettholder jevn lydproduksjon gjennom hele den musikalske frasen.

neapolitansk skole

På slutten av 1600-tallet ble den napolitanske operatradisjonen dannet, som endelig etablerte bel canto-kunsten på teaterscenen. Det var både en utvikling av den florentinske ideen og en endring i den. I Napoli ble musikk og sang hovedkomponenten i forestillingen, og ikke poesi, som inntil da hadde fått den dominerende rollen. Denne nyvinningen gledet publikum og vakte stor entusiasme.

Neapolitanske komponister forvandlet operaen strukturelt. De forlot ikke bruken av resitativer, som de delte inn i forskjellige typer: akkompagnert (akkompagnert av et orkester) og tørr, som inneholdt informasjon presentert på en dagligdags måte til sjeldne cembalo-akkorder for å opprettholde musikalsk tonalitet. Vok altrening, som ble obligatorisk for utøvere, økte populariteten til solonummer, hvis form også gjennomgikk endringer. Det dukket opp typiske arier der karakterene uttrykte følelser på en generalisert måte, i forhold til situasjonen, og ikke basert på bildet eller karakteren. Sørgefulle, bøllete, hverdagslige, lidenskapelige, hevn-arier - det indre rommet i den napolitanske operaen var fylt med livlig innhold.

Alessandro Scarlatti (1660-1725)

Enestående komponist og entusiast Scarlatti gikk ned i historien som grunnleggeren av operaskolen i Napoli. Han skapte mer enn 60 verk. Sjangeren seriøs opera (opera seria), skapt av Scarlatti, fort alte om livet til kjente helter ved hjelp av et mytologisk eller historisk plot. Operasang presset den dramatiske linjen i forestillingen i bakgrunnen, og resitativer ga plass til arier.

Det store spekteret av vokalpartier i seriøs opera utvidet kravene som operastemmer måtte møte. Utøverne forbedret seg i sangkunsten, selv om dette noen ganger førte til nysgjerrigheter - hver av dem ønsket at komponisten skulle inkludere arier i operaen som gunstig ville understreke stemmens verdighet. Resultatet ble en samling urelaterte solonummer, som førte til at operaserien ble omt alt som en "kostymekonsert".

Skjønnhet og håndverk

Et annet bidrag fra den napolitanske operaskolen til utviklingen av bel canto var bruken av ornamentale (koloratur)dekorasjoner av den musikalske paletten i vokaldelene. Coloratura ble brukt på slutten av arier og hjalp utøverne med å demonstrere for publikum graden av stemmekontroll. Store sprang, triller, varierte passasjer, bruk av sekvens (repetisjon av en musikalsk frase eller melodisk vending i forskjellige registre eller tonearter) - økte dermed den ekspressive paletten som ble brukt av bel canto-virtuoser. Dette førte til at graden av dyktighet til sangeren ofte ble vurderti henhold til kompleksiteten til koloraturen han utfører.

Italiensk musikalsk kultur stilte høye krav. Stemmene til kjente sangere ble preget av deres skjønnhet og klangrikdom. Vok altrening bidro til å forbedre ytelsesteknikken, oppnå jevnhet og flyt i lyden i alle områder.

Første vinterhager

Etterspørselen etter bel canto førte til dannelsen av de første utdanningsinstitusjonene som trente sangere. Barnehjem - konservatorier - ble de første musikkskolene i middelalderens Italia. Bel canto-teknikken ble undervist i dem på grunnlag av imitasjon, repetisjon etter læreren. Dette forklarer det høye treningsnivået til den tidens sangere. Tross alt studerte de med anerkjente mestere som Claudio Monteverdi (1567-1643) eller Francesco Cavalli (1602-1676).

Elevene ble satt sammen spesielle øvelser for utvikling av stemmen, solfeggio, som måtte gjentas, forbedre sangteknikken og utvikle pusten - ferdigheter som er så nødvendige for bel canto. Dette førte til at etter å ha begynt å trene i en alder av 7-8 år, i en alder av 17, dukket det opp profesjonelle artister for operascenen fra veggene i konservatoriet.

Gioachino Rossini (1792-1868)

Med sitt utseende forutbestemte italienske bel canto utviklingstrenden for operamusikalsk kultur for de neste tre århundrene. En milepæl i utviklingen var arbeidet til den italienske komponisten G. Rossini. Den rytmiske energien, glansen og mobiliteten til vokaldelene krevde av utøverne en rik klangvariasjon, virtuositet ogeksepsjonell sangskole. Til og med sangariene og resitativene i Rossinis komposisjoner krevde full dedikasjon.

Rossinis melodisme banet vei for den klassiske bel canto, preget av fullstendige fraser, mild og luftig ren, frittflytende jevn melodi (cantilena) og sensuelt sublim glød. Det er bemerkelsesverdig at komponisten selv visste om kunsten å synge. Som barn sang han i kirkekoret, og i voksen alder, i tillegg til å komponere, viet han seg entusiastisk til vokalpedagogikk og skrev til og med flere bøker om dette temaet.

Pedagogikk

Italiensk operasang, som ble et symbol på europeisk musikalsk kultur på 1600- og 1800-tallet, dukket opp takket være arbeidet til begavede innovative lærere som studerte vokal og eksperimenterte med den menneskelige stemmen, og brakte lyden til perfeksjon. Teknikkene som er beskrevet i skriftene deres, brukes fortsatt i forberedelsen av sangere.

Ikke en eneste detalj slapp lærernes oppmerksomhet. Elevene forsto hemmelighetene til fri og lett syngende pust. Vok altrening forutsatte et moderat lydvolum, korte melodiske fraser og smale intervaller, noe som gjorde det mulig å bruke talepust, preget av en rask og dyp pust etterfulgt av en langsom utpust. Det ble utviklet øvelseskomplekser for å trene homogen lydproduksjon i høye og lave registre. Til og med trening foran et speil var en del av kurset for nybegynnere - overdreven ansiktsuttrykk og et anspent ansiktsuttrykk forrådte krampaktig arbeidtaleenhet. Det ble anbef alt å holde seg løs, stå rett og ved hjelp av et smil for å oppnå en klar og nær lyd.

Nye sangteknikker

Komplekse vokalpartier, dramaturgi og teaterforestillinger stilte vanskelige oppgaver for sangerne. Musikken reflekterte karakterenes indre verden, og stemmen ble en integrert del av det totale scenebildet. Dette ble tydelig manifestert i operaene til G. Rossini og G. Verdi, hvis arbeid markerte fremveksten av bel canto-stilen. Den klassiske skolen anså det som akseptabelt å bruke falsett på høye toner. Dramaturgien avviste imidlertid denne tilnærmingen - i den heroiske scenen gikk den mannlige falsetten i estetisk dissonans med handlingens følelsesmessige fargelegging. Den første til å overvinne denne stemmeterskelen var franskmannen Louis Dupre, som begynte å bruke måten for lydproduksjon, som etablerer fysiologiske (innsnevring av strupehodet) og fonetiske (språk i den "Y-formede" posisjonen) mekanismer for å beskytte vokalen. apparat og senere k alt "dekket". Den tillot å danne den øvre delen av lydområdet uten å bytte til falsett.

Giuseppe Verdi (1813-1901)

Når vi gjennomgår operavokalkunst, er det utenkelig å ignorere figuren og den kreative arven til den store italienske komponisten G. Verdi. Han transformerte og reformerte operaen, introduserte plottkontraster og motsetninger. Han var den første av komponistene som deltok aktivt i utformingen av handlingen, scenedesign og produksjon. I operaene hans dominerte tesen og antitesen, følelser og kontraster raste, forenteverdslig og heroisk. Denne tilnærmingen dikterte nye krav til vokalister.

Komponisten var kritisk til koloraturen og sa at triller, nådetoner og gruppettoer ikke er i stand til å bli grunnlaget for en melodi. Det er nesten ingen dekorative dekorasjoner i komposisjonene, bare gjenværende i sopranpartier, og senere helt forsvunnet fra operapartitur. De mannlige delene i klimaksene ble flyttet til det øvre registeret ved å bruke den "dekkede lyden" som allerede er beskrevet tidligere. Utøverne av barytondelene ble tvunget til å gjenoppbygge arbeidet til vokalapparatet fra en høy tessitura (høydearrangement av lyder i forhold til sangområdet), diktert av refleksjonen av karakterenes følelsesmessige tilstand. Dette førte til fremveksten av et nytt begrep - "Verdi baryton". Verket til G. Verdi, 26 vakre operaer satt opp på La Scala, markerte den andre fødselen til bel canto - kunsten å mestre stemmen brakt til perfeksjon.

verdenstur

Den lette og grasiøse vokalstilen kan ikke holdes innenfor grensene til én stat. Det meste av Europa f alt gradvis under hans trolldom. Vakker sang erobret verdensteaterscenen og påvirket utviklingen av europeisk musikalsk kultur. Det ble dannet en operaretning, som fikk navnet "belkanta". Stilen flyttet grensene for bruken og gikk inn i instrumentalmusikk.

Den virtuose melodien til F. Chopin (1810-1849) syntetiserte polsk folkepoetikk og italiensk operabel canto. De drømmende og milde heltinnene i operaene av J. Masnet (1842-1912) er fylt med belcanth sjarm. Innflytelsen fra stilen viste seg å være så stor at dens innflytelse på musikken ble virkelig storslått, og strakte seg fra klassisisme til romantikk.

Forbinde kulturer

Den store komponisten M. I. Glinka (1804-1857) ble grunnleggeren av russiske klassikere. Hans orkestrale forfatterskap – sublimt lyrisk og samtidig monument alt – er fylt med melodi, der både folkesangtradisjoner og italienske ariers belkante sofistikering er synlige. Den særegne cantilenaen for dem viste seg å være lik melodiøsen til utstrakte russiske sanger - sannferdige og uttrykksfulle. Melodiens overvekt over teksten, sanger mellom stavelser (syngende aksentuering av individuelle stavelser), talerepetisjoner som skaper lengden på melodien - alt dette i verkene til M. I. Glinka (og andre russiske komponister) ble utrolig harmonisk kombinert med tradisjonene til italiensk opera. De dvelende folkesangene, ifølge kritikere, fortjente tittelen "Russian bel canto".

I repertoaret av stjerner

Den strålende epoken med italiensk bel canto tok slutt på 1920-tallet. De militære og revolusjonære omveltningene i det første kvartalet av århundret krysset ut den normative essensen av romantisk operatenkning, den ble erstattet av nyklassisisme og impresjonisme, modernisme, futurisme og andre delt inn i retninger. Og likevel sluttet de berømte operastemmene aldri å vende seg til mesterverkene til italiensk klassisk vokal. Kunsten å "vakker sang" ble briljant mestret av A. V. Nezhdanov og F. I. Chaliapin. Den uovertrufne mesteren i denne sangretningen var L. V. Sobinov, som ble k alt ambassadøren for bel canto i Russland. Den store Maria Callas (USA) og Joan Sutherland (Australia), hedret av kolleger med tittelen "Voice of the Century", lyrisk tenor Luciano Pavarotti (Italia) og uovertruffen bass Nikolai Gyaurov (Bulgaria) - deres kunst var basert på kunstnerisk og estetisk grunnlag for italiensk bel canto.

Konklusjon

Nye trender innen musikalsk kultur har ikke klart å overstråle glansen til den klassiske italienske bel cante-operaen. Bit for bit søker unge utøvere informasjonen som er bevart i notatene til mesterne fra tidligere år om riktig pust, lydproduksjon, stemmeskulptur og andre finesser. Dette er ikke en ledig interesse. Det sofistikerte publikummet har vekket behovet for ikke å høre en moderne tolkning av klassiske verk, men å kaste seg ut i det pålitelige midlertidige rommet til upåklagelig sangkunst. Kanskje dette er et forsøk på å avdekke mysteriet med bel canto-fenomenet - hvordan, i en tid med forbud mot kvinnestemmer og preferanser for et høyt mannlig register, kunne en sangretning bli født som overlevde århundrer og ble til et harmonisk system som la grunnlaget for opplæring av profesjonelle vokalister i flere århundrer.