Marmorstatue: skulpturens historie, de største skulptørene, verdensmesterverk, bilder

2024 Forfatter: Leah Sherlock | [email protected]. Sist endret: 2023-12-17 05:45

Hvit marmor er det mest fruktbare materialet for skulpturelle verk som skildrer mennesker. Den er så myk at den egner seg godt til kutteren, men samtidig er den tett nok til å tillate utskjæring av de fineste detaljer og perfekt akseptere sliping. Marmorstatuen formidler best den følelsesmessige tilstanden, sensualiteten og den anatomiske perfeksjonen til menneskekroppen. Skulptørene i det gamle Hellas var de første som brakte skulpturkunsten til et slikt nivå, da det begynte å se ut til at en død stein begynte å våkne til live og fikk vakre konturer. Siden den gang har kunstnere fra andre tidsepoker konsekvent forsøkt å forbedre teknikken til marmorskulptur for å uttrykke sine høye ideer så levende og figurativt som mulig, for å formidle upåklagelige former og dybden av menneskelige følelser.

Hvorfor marmor?

Siden antikken har egypterne mye brukt ulike typer stein til fremstilling av skulpturelle former, som svart obsidian og bas alt, grønn-brun dioritt, lilla porfyr, myk kalsittalabast, kalkstein. Siden antikken har statuer blitt laget av bronse og legeringer. Så hvorfor er det at marmor er så verdsatt av kunstnere, og hvorfor virker verk fra dette materialet nesten levende?

I likhet med alabast, hvis tynne plater sender lys godt, er marmor sammensatt av kalsitt og beholder også en viss lysgjennomgang. Noe fløyelsmyk tekstur danner ikke kontrasterende høylys og skarpe dype skygger som er iboende i metall, og produserer et mykt spill av lys og skygge. Skulpturmarmor har en tett struktur og den letteste tonen, som sammen med jevn polering av materialet reflekterer lyset godt, i motsetning til fargede steiner. Alle disse egenskapene gir i større grad inntrykk av levende kjøtt i marmorskulpturer enn de som er laget av annet materiale.

Skulpturell marmor inneholder minst mulig urenheter, noe som påvirker ikke bare den nesten hvite fargen, men også ensartetheten til steinen. Det er et plastmateriale som er enkelt å behandle, men tett og hardt nok til å unngå sprekker og sprekker, slik at du kan regne ut de minste detaljene. Derfor er marmor spesielt foretrukket av skulptører.

Antiquity

Den antikke greske skulpturkunsten nådde sitt høydepunkt på 500-tallet f. Kr. På den tiden utviklet de grunnleggende teknikkene, teknikkene, matematiske beregningene som var nødvendige for fødselen av statuer. Et spesielt system av proporsjoner har dannet seg som definerer idealet om skjønnheten i menneskekroppen og har blitt en klassisk kanon foralle generasjoner av kunstnere. I løpet av et århundre nådde nivået av håndverk til gresk skulptur perfeksjon. Imidlertid var statuene fra den perioden for det meste laget av bronse og tre med gull og elfenben. Marmorstatuer dekorerte hovedsakelig pedimenter, friser og yttervegger av templer, oftest i form av relieffer, basrelieffer og høyrelieffer, det vil si delvis nedsenket i bakgrunnsplanet.

Fra og med det 4. århundre f. Kr., er de skulpturelle verkene i Hellas preget av en spesiell plastisitet av positurer, overføring av sensualitet, drama og spleising, som mesterne begynte å foretrekke marmor for. De store eldgamle skulptørene skapte "levende" marmorstatuer, som opphøyer skjønnheten til menneskelige følelser og kroppen. I de største museene i verden beundrer folk den dag i dag perfeksjonen til utskårne former og det virtuose arbeidet til kunstnere som Scopas, Praxiteles, Lysippus, mindre kjente skulptører og de hvis navn historien ikke har bevart. Klassiske verk i mange århundrer fungerer som en akademisk standard, som helt frem til den moderne kunstens periode ble fulgt av alle generasjoner av billedhuggere.

middelalder

Det er utrolig hvor raskt med fremkomsten og utviklingen av kristendommen, prestasjonene til de eldgamle kunstene og vitenskapene ble overført til glemselen. Den høye dyktigheten til skulptører ble redusert til nivået til det vanlige håndverket til udugelige skjærere. Så tidlig som på slutten av 1100-tallet, ganske grove og primitive statuer, ikke fullstendig utskåret og skilt frafundamentene forble en del av steinblokken, som ble montert inn i tempelveggen. Frittstående figurer vises bare fra 1200-tallet, men med uttrykksløse ansikter i begrensede statiske positurer, snarere som arkaiske idoler, forble de bare et arkitektonisk tillegg. Naken natur og refleksjon av sensualitet blir uakseptabelt, de klassiske prinsippene for skjønnhet og proporsjoner er glemt. Ved fremstilling av en marmorstatue rettes mer oppmerksomhet mot brettene på klærne, og ikke på ansiktet, som fikk et frossent uttrykk av likegyldighet.

Renaissance

Forsøk på å gjenopplive den tapte kunnskapen og ferdighetene til skulptur, for å skape en teoretisk base av teknikker, begynte på slutten av 1200-tallet i Italia. Med begynnelsen av 1300-tallet på Apennin-halvøya ble Firenze sentrum for utvikling av kunst og kulturell innflytelse, hvor alle talentfulle og dyktige håndverkere skyndte seg. Samtidig åpner den første store skulpturskolen i Pisa, hvor kunstnere studerer og gjenoppdager lovene for gammel arkitektur og skulptur, og byen blir til sentrum av klassisk kultur. Statueproduksjon er i ferd med å bli en disiplin i seg selv, snarere enn et mindre tillegg til arkitektur.

1400-tallet var en total periode med endring i kunsten. Kunstnere gjenoppliver og tar som standard lovene om proporsjoner og skjønnhetskanoner anerkjent i antikken. I bronse- og marmorstatuen streber skulptørene igjen etter å reflektere menneskelige følelser med edelt og sublimt, for å formidle de subtile nyansene til følelser, for å gjengi illusjonen av bevegelse og for å lette figurenes positurer. Disse egenskapene kjennetegner arbeidet til Ghiberti, Giorgio Vasari, Andrea Verrocchio og den største mesteren Donatello.

Høyrenessanse

Renessansens korte etappe kalles høyrenessansen, den dekker de første tretti årene av 1500-tallet. Denne korte perioden viste seg å være en eksplosjon av kreativt geni som etterlot uovertruffen kreasjoner og påvirket dannelsen av ytterligere trender innen kunst.

Italiensk skulptur i sin utvikling nådde sitt klimaks, og det høyeste punktet var arbeidet til tidenes største kunstner og skulptør - Michelangelo. Marmorstatuen, som kom ut av hendene på denne talentfulle mesteren, kombinerer den høye kompleksiteten til komposisjonen, den perfekte tekniske behandlingen av materialet, den perfekte visningen av menneskekroppen, dybden og sublimiteten til følelser. Verkene hans utstråler en følelse av spenning, skjult kraft, kolossal åndelig styrke, de er fulle av edel storhet og tragedie. Blant mesterens skulpturelle verk, "Moses", komposisjonen "Lamentation of Christ" ("Pieta") og en marmorstatue av David regnes som en stor prestasjon av menneskelig geni. Ifølge kunsthistorikere, etter Michelangelo, kunne ingen gjenta noe lignende. Kraftig, for fri og ekstremt individuell stil på grunn av artistens enorme talent og var utenfor rekkevidden av hans mange elever, følgere og imitatorer.

barokk

På stadiet av senrenessansen, k altmanerisme, en ny stil dannes - barokk. Den er basert på prinsippene for absolutt klassisisme, men de skulpturelle formene mister sin tidligere enkelhet av linjer, oppriktighet og edel i ideen. Karakterenes positurer får overdreven pretens og manerer, intrikate komposisjoner kompliseres av et overskudd av detaljer, og følelsene som vises er teatralsk overdrevne. De fleste skulptører, som jaktet på den ytre effekten, søkte kun å vise ferdighetene til utførelse og deres rike fantasi, som kom til uttrykk i nøye studie av tallrike detaljer, pretensiøsitet og haugevis av former.

Denne perioden er imidlertid preget av ekstremt fin, nesten smykketeknikk og dyktighet i marmordressing. Fremragende skulptører som Giovanni Bologna (en elev av Michelangelo), Bernini, Algardi formidlet mesterlig inntrykk av bevegelse, og ikke bare svært komplekse, noen ganger tilsynelatende ustabile, komposisjoner og positurer av figurer, men også ypperlig utskåret, som glidende folder av kapper. Arbeidene deres er veldig sensuelle, de virker perfekte og påvirker de dypeste følelsene til betrakteren, og fanger oppmerksomheten hans i lang tid.

Det antas at stilen varte til slutten av 1700-tallet, og manifesterte seg også i andre retninger. Men på 1800-tallet, da kunstnere kun gjenga de tidligere stadiene av kunsten, kom ofte barokke trekk til uttrykk i skulptur. Et så utrolig eksempel er marmorstatuene med slør av den italienske mesteren Rafael Monti, som skapte den utenkelige illusjonen av et gjennomsiktig slør av stein.

Konklusjon

Utover 1800-tallet var marmorstatuen fortsatt under absolutt påvirkning av streng klassisisme. Siden andre halvdel av århundret har skulptører lett etter nye uttrykksformer for ideene sine. Men til tross for den raske spredningen av realisme i maleriet, da kunstnere søkte å reflektere den sanne virkeligheten i livet, forble skulpturen i akademiismens og romantikkens grep i lang tid.

De siste tjue årene av århundret var preget av en realistisk og naturalistisk trend i verkene til de franske skulptørene Bartholome, Barrias, Carpeau, Dubois, F alter, Delaplanche, Fremier, Mercier, Garde. Men hovedsakelig arbeidet til geniet Auguste Rodin, som ble forløperen til moderne kunst, skilte seg ut. Hans modne verk, som ofte forårsaket skandale og ble kritisert, legemliggjorde trekk ved realisme, impresjonisme, romantikk og symbolikk. Skulpturene «Citizens of Calais», «The Thinker» og «The Kiss» er anerkjent som verdensmesterverk. Skulptur av Rodin er det første skrittet mot formene for de kommende trendene på 1900-tallet, da bruken av marmor gradvis ble redusert til fordel for andre materialer.