Dyaghilevs russiske ballett: historie, interessante fakta, repertoar og bilder

2024 Forfatter: Leah Sherlock | [email protected]. Sist endret: 2023-12-17 05:45

«Hans absolutt rene dyd var hans hengivenhet til kunst, brennende med hellig ild», sa den russiske ballettstjernen T. Karsavina om Sergei Diaghilev.

Sergei Diaghilev ble født på begynnelsen av det nittende og tjuende århundre og klarte å endre koreografien til balletten fundament alt, gjenopplive dens urokkelige kanoner og skape en annen kultur med kostymer og kulisser. Det var med fremkomsten av Diaghilev at konseptet "Diaghilevs ballett" og ballettbedrift dukket opp i kunsten.

Russiske årstider i Europa

Historien om fremveksten av "Russian Seasons" i Europa begynner i 1906. Det var da Sergei Diaghilev, som forberedte en kunstutstilling for høstsalongen i Paris, bestemte seg for å holde store arrangementer for å gjøre det europeiske publikum mer kjent med russisk kunst.

Først var det ideen om å holde «russisk historiskkonserter", strålende levendegjort. Konsertene ble holdt i 1907 og besto av mesterverk av russisk musikk fra 1800- og begynnelsen av 1900-tallet. Og neste sesong, i 1908, ble M. Mussorgskys opera "Boris Godunov" vist i Paris med Fyodor Chaliapin i hovedrollen.

Den første opera- og ballettsesongen ble holdt av Diaghilev i 1909.

Så begynte triumftoget "Russian Seasons" i utlandet. Forestillingene ble organisert etter prinsippet om et foretak, det vil si ikke med en permanent gruppe skuespillere, men med invitasjon fra de beste solistene fra forskjellige russiske teatre, de beste artistene til å designe kostymer og kulisser for forestillinger.

Dette var en sann åpenbaring for teaterpublikummet i Paris. Fram til første verdenskrig ble sesongene holdt årlig med overveldende suksess.

Dyaghilevs ballett, fotoplakat for sesongen 1911.

Origins: Familielidenskap for kunsten

Fødselsdato til Sergei Diaghilev - 31. mars 1872. Fødested: en landsby i Novgorod-provinsen k alt Selishchi. Den fremtidige maestroen dukket opp i familien til en arvelig adelsmann og offiser Pavel Diaghilev.

Sergeys barndom gikk først i St. Petersburg, og deretter flyttet familien til Perm, der Diaghilev-familiene bodde til sønnen ble uteksaminert fra Perm-gymnaset. Det gjestfrie huset til Diaghilevs i Perm var dekorert med originale graveringer av Raphael, Rubens og Rembrandt, kataloger over alle de ledende europeiske museene overfylt i bokhyllene.

Her ble det holdt litterære og musikalske kvelder. Sønnen fulgte medpiano til duetten av far og stemor. Kort sagt, ikke et hus, men sentrum for kulturlivet i provinsen.

Den kreative og kreative atmosfæren i huset bidro til fremveksten av en genuin trang til kunst, et ønske om å tjene musene i den unge Sergei Diaghilev.

Petersburg-prestasjoner

På 90-tallet av 1800-tallet vendte han tilbake til St. Petersburg, hvor han fordypet seg i studiet av ulike vitenskaper: han gikk inn på konservatoriet og det juridiske fakultetet samtidig.

En aktiv natur krevde imidlertid flere spennende aktiviteter. I St. Petersburg fordyper Sergei Diaghilev seg fullstendig inn i hovedstadens kunstneriske liv, og neglisjerer rettsvitenskap og studier under ledelse av Rimsky-Korsakov.

Aktiviteten og entusiasmen til ungdom gjorde en god gjerning, og lot den unge mannen vise enestående organisasjonsevner.

Setter et edelt mål - å vise det interesserte publikum den nye russiske kunstneriske kunsten, organiserer han flere strålende utstillinger av samtidige og da ukjente kunstnere. For rettferdighets skyld skal det bemerkes at disse utstillingene ofte var anledning til vitser fra feuilletonister og sinte prekener fra kunstkritikere.

Men snart, til tross for angrep og latterliggjøring, og kanskje takket være de skandaløse utstillingene, begynte hele Petersburg å snakke om Diaghilev.

Med støtte fra kjente beskyttere Savva Morozov og Maria Klavdievna Tenisheva, blir han og kunstneren Alexander Benois redaktører for magasinet World of Art. Magasinets motto er "Kunst, ren og fri".

Dette mottoet i mange år blir for Diaghilevog livsprinsipper. Magasinets artister inkluderte Ilya Repin, Lev Bakst, Isaac Levitan, Valentin Serov og andre kjente russiske artister i fremtiden. Fremveksten av et ekte team av likesinnede mennesker, forent av forlagsvirksomheten, beviste nok en gang at Sergei Diaghilev ikke er en tilfeldig person i kunsten og er etterspurt av tiden selv.

Utgaven av magasinet "World of Art" var det første skrittet mot fremtidens store "Russian Seasons". Fordi det var et prosjekt med pedagogiske mål og dedikert til både russisk og vestlig kultur, og samlet alle moderne og samtidskunstformer.

"Russian Seasons" og "Russian Ballet": hva er forskjellen

Før vi snakker videre om Diaghilevs russiske ballett, er det nødvendig å skille begrepet "Russian Seasons" fra begrepet "Russian Ballet" i den forstand Diaghilev forsto disse områdene av russisk kunst.

For Sergei Pavlovich Diaghilev, "Russian Seasons", som et nytt fenomen innen kunst, fant sted eller begynte i 1906, det var av dem, som ved milepæler, at han målte aktivitetene sine, feiret deres jubileer, indikerte sesongnummer på plakater.

"Russian Seasons" inkluderte kunstutstillinger, konserter, opera og senere ballett.

Fenomenet "Dyaghilev's Russian Ballet" er assosiert med ballettbedrift og utseendet til uvanlige ballettforestillinger, etuder og numre - som en del av "Russian Seasons"-programmene, som startet i 1909.

Offisielt fant den første forestillingen av "Russian Ballet" sted i april 1911 i Monte Carlo, denne datoen regnes som fødselsdatoen til tradisjonen med å vise ballett i utlandet.

In the Talent Fellowship

Triumfen for den første sesongen av Diaghilevs russiske ballett i 1909 var forhåndsbestemt: det felles arbeidet og innsatsen til mange talentfulle, og til og med strålende, mennesker kan ikke gå til spille.

S. Diaghilev bestemte seg for å begynne å forberede seg til sesongen, og ba om bistand fra datidens russiske ballett - Matilda Kshesinskaya. Hun var nær det keiserlige hoffet. Den fremtidige keiseren Nicholas II, fortsatt singel på den tiden, var forelsket i henne. Takket være innsatsen fra ballerinaen ble Diaghilev lovet et stort tilskudd på 25 000 rubler og muligheten til å holde øvelser i Eremitasjen.

Målet for Diaghilev og et team av likesinnede var ikke enkelt: å lage en kvalitativt annerledes type ballett, der en spesiell rolle skulle tildeles mannlige deler, kostymer og kulisser. I et forsøk på å oppnå "enheten mellom kunstnerisk oppfatning og utøvende ferdigheter", involverte Diaghilev bokstavelig t alt alle fremtidige deltakere i diskusjonen om produksjonsmaterialet: komponister, artister, koreografer … Alle sammen kom de opp med plott, diskuterte naturen til musikk og dans, fremtidige kostymer og kulisser. Resultatet er en unik syntese av innovasjon og profesjonalitet innen koreografi, maleri, musikk.

Samtidig begynner Diaghilev å rekruttere en tropp, der han inviterer de beste ballettdanserne fra Mariinsky- og Bolshoi-teatrene. Reagerte på invitasjonen fra gründeren: Anna Pavlova, MatildaKshesinskaya, Mikhail Fokin med kona Vera, Ida Rubinstein, Serafima Astafyeva, Tamara Karsavina, Vatslav Nijinsky, Vera Koralli, Alexander Monakhov, Mikhail Mordkin og andre dansere.

Kostume- og scenograf: Leon Bakst, Alexander Benois, Nicholas Roerich.

"Russian Seasons" Diaghilev, balletttropp backstage.

"Sesongmessige" hindringer

Ikke alt gikk på skinner da de første ballettforestillingene for den russiske årstiden ble forberedt.

Midt under prøvene kom det forbud mot å fortsette å holde dem i Eremitasjen, og tilskuddet ble også stengt. Det siste kokepunktet var Mariinsky Theatres nektelse av å gi kostymer og kulisser.

Det var flere årsaker som gjorde at arbeidet med "sesongene" nesten var slutt. Først døde prins Vladimir Alexandrovich, Diaghilevs beskytter. Og for det andre ble Matilda Kshesinskaya fornærmet av gründeren fordi hun fikk en mindre rolle i balletten "Pavilion of Artemis" i stedet for de forventede hovedrollene.

Diaghilev var forresten fast i å velge de ledende skuespillerne til hovedrollene, dette er en stor "visjon" av artisten, når alle nåværende eller tidligere meritter av artisten i denne sammenhengen viste seg å være maktesløs. Det var en lignende historie i sesongen da «The Dying Swan» ble vist til musikken til den da ukjente komponisten Saint-Saens. Opprinnelig involverte koreograf Mikhail Fokine sin kone Vera Fokina i dansen, men Diaghilev sa at han kunne danse svanenbare Pavlova. Som et resultat mottok verden i flere tiår en utrolig uttrykksfull dans fremført av Anna Pavlova, og impresarioet viste seg som alltid å ha rett.

Dyaghilevs ballett i Paris: Anna Pavlova som en såret svane. Mageområdet på ballerinakostymet er dekorert med en enorm rubin som symboliserer blod fra et sår.

Fjær på kostyme og hodeplagg er naturlige, svaneaktige.

Dyagilevs ballett: kostymene til forestillingene var dekorert med naturlige juveler, brodert med mønstre. Ulike naturmaterialer ble også brukt i dekorasjonen.

Når vi vender tilbake til historien om forberedelsene til åpningen av den russiske diaghilev-balletten i 1909, må vi også minne om at direktøren for alle de keiserlige teatrene, Teljakovskij, skapte flere hindringer. Faktisk ga kombinasjonen av vanskeligheter som oppsto en rungende fiasko for Russian Seasons.

Men fiaskoen fant ikke sted: Diaghilev ble hjulpet av gamle venner og lånetakere. Prins Argutinsky-Dolgorukov og grevinne Maria (Misya) Sert hjalp til med finansieringen ved å skaffe de nødvendige pengene.

Paris applauderer: publikum i ekstase

Diaghilev-balletten ankommer Paris i april 1909. Scenen til det berømte Châtelet Theatre ble leid for å vise forestillinger. Ved ankomst ble det satt i gang et arbeid med å forberede teatret for mottak av nye forestillinger og kulisser:

• scenen ble forstørret;
• oppdatert interiør;
• bokser er ordnet i bodene.

De siste prøvene pågikk. Tid, lyst og mulighet f alt sammen. MichaelFokine introduserte sine egne ideer om koreografi i balletten, som samsvarte med ideene til Diaghilev.

Repertoaret fra 1909 inkluderte fem balletter iscenesatt av nybegynnerkoreograf Mikhail Fokin:

• "The Pavilion of Armida" er en forestilling i én akt og tre akter; manuset og designet basert på det ble skrevet av Alexander Benois, musikk av Nikolai Tcherepnin; delen av Madeleine og Armida ble fremført av V. Coralli, Vicomte de Beaugency av M. Mordkin; Slaven til Armida ble danset av V. Nijinsky.
• "Polovtsian Dances" er ballettdelen av operaen "Prince Igor" til musikken til Borodin, da ballettfragmentet tok form av en uavhengig 15-minutters forestilling; scenografi av N. Roerich, utøverne Adolf Bolm, Sofya Fedorova 2., solist ved Mariinsky Theatre E. Smirnova.
• "Feast" er et divertissement til musikken til nasjonale danser komponert av russiske komponister - Glinkas mazurka, Mussorgskys "Gopak", Rimsky-Korsakovs marsj fra "The Golden Cockerel", Glinkas lezginka, Glazunovs chardash; «Feast» fullførte visningen av Diaghilevs russiske ballett, og formålet var å vise publikum hele troppen i de mest spektakulære og karakteristiske dansene. Festen ble avsluttet med et stormende utdrag fra Tsjaikovskijs andre symfoni. Alle stjernene danset padekatre sammen, det var en triumf for artistene.

Strålende oppfølger

De tre første forestillingene ble vist 19. mai, og 2. juni 1909 fant premierene på forestillingene sted: "Sylphs" og "Cleopatra".

Showet av balletten "La Sylphides" eller "Chopiniana" fant sted med deltagelse av TamaraKarsavina, Anna Pavlova, Alexandra Baldina, Vaslav Nijinsky til musikk fra verk av Chopin, arrangert av D. Gershwin, orkestrert av A. Glazunov, A. Lyadov, S. Taneyev, N. Cherepnin.

Draktene ble designet av Leon Bakst basert på litografier av den italienske ballerinaen Maria Taglioni, kjent på 1800-tallet, som Sylph.

Forestillingen ble mottatt med entusiasme, og maleriet av Serov, basert på inntrykkene fra forestillingen med bildet av Anna Pavlova, vil bli kjennetegnet for Diaghilevs ballett i mange år.

Cleopatra

Forestillingen basert på historien om Theophile Gauthier har gjennomgått en betydelig modernisering. Mikhail Fokin introduserte i den nye musikalske utgaven, i tillegg til musikken til Arensky, verk av Glazunov, Rimsky-Korsakov, Lyadov, Cherepnin. Resultatet er en tragisk avslutning med danser som uttrykker ekte lidenskap og sorg.

Leo Bakst laget skisser til nye scener og kostymer. Magien i det gamle Egypt, musikk og dansere rettferdiggjorde til fulle forventningene til publikum med den uvanlige forestillingen.

Handlingen fant sted på gårdsplassen til templet mellom de røde gudestatuerne, bakgrunnen var Nilens storslåtte skinnende vann. Publikum ble betatt av sensualiteten og uttrykksfullheten i produksjonen og hoveddamen Ida Rubinstein.

På bildet: Diaghilevs russiske ballett, L. Baksts maleri for dansen til Cleopatras "syv slør".

Den kjente franske forfatteren og dramatikeren Jean Cocteau skrev at man kort kan karakterisere Diaghilevs russiske ballett slik: «Dettefeiring over Paris, skinnende som «Dionysos vogn».

Så det er gjort og strålende.

Oppgaver og stil

Det var mange suksesser, oppturer og nedturer underveis i Diaghilevs sesonger. Men det var en levende organisme i stadig utvikling. Ønsket om noe nytt, søken etter kunsten til det enestående - dette er resultatene av den store impresario.

Sergei Leonidovich Grigoriev, den faste direktøren og administratoren av troppen, mente at Diaghilevs balletter også utviklet seg fra påvirkning fra koreografer.

Liste over koreografer som skapte nye stadier i utviklingen av ballettkunst:

• Kreativitetens tid i bedriften til M. M. Fokin, som begynner i 1909 og fortsetter til 1912, også med hans deltakelse, ble produksjoner fra 1914 laget. Mikhail Fokin lyktes i å endre den klassiske koreografien, fremheve de mannlige ballettpartiene som nye danseformer, og berike plastisiteten i dansen.
• Den andre perioden i utviklingen av "russisk ballett" er årene for V. F. Nijinskys verk, fra 1912 til 1913, 1916. Det er vanskelig å undervurdere opplevelsen til en danser og koreograf i å prøve å skape en ny ballett full av følelser, følelser og fantastisk teknikk.

Dyagilev Ballet, foto av solist og koreograf Vaslav Nijinsky.

• Neste trinn i introduksjonen av nyvinninger innen ballettkunst var tiden for L. F. Myasins arbeid i Diaghilev-troppen, og dekker perioden fra 1915 til 1920, 1928. Myasin, som utviklet tradisjonene til Fokine, kompliserte dansemønsteret så mye som mulig, og introdusertebrutte linjer, pretensiøsitet og sofistikerte bevegelser, samtidig som du lager din egen unike stil.
• Det fjerde utviklingsstadiet på veien til utviklingen av den russiske balletten av Diaghilev var perioden med kreativitet til Bronislava Nijinska, som startet fra sesongene 1922 - 1924 og 1926. Dette er tiden for den nyklassisistiske ballettstilen.
• Og til slutt, det femte utviklingsstadiet er årene med arbeid med Diaghilev George Balanchine fra 1924 til 1929. Årene da koreografen klarte å etablere nye former for det 20. århundre, ideene til symfoniballetter, ideen om uttrykkets forrang over handlingen.

Men uavhengig av hvem som var regissøren, beholdt Diaghilevs russiske ballett friheten til å søke, var et symbol på avantgarde og innovative løsninger innen kunst, et forvarsel om tidens trender.

I flere tiår vil han forbli en ufanget, fri og ettertraktet Firebird.

Et folkeeventyr eller en ny triumf for Diaghilevs ballett i Paris

Når vi snakker om eventyrmotivene som utgjør mange plott av forestillinger iscenesatt på scenene i Frankrike, kan man ikke annet enn å huske den mest vellykkede premieren i 1910.

Dette er en produksjon med temaet historien om Ildfuglen, ideen om som ble næret av Mikhail Fokin i lang tid. Først ble Lyadov beordret til å skrive musikk, men siden han ikke begynte å skrive den selv etter tre måneder, bestemte Diaghilev seg for å henvende seg til Stravinsky, som han betraktet som det nye geni innen russisk musikk.

Komponisten, koreografen og artisten jobbet tett sammen i prosessen med å lage balletten, hjelpe hverandre, dele kreative råd. Det var en fagforening som ga scenen en ny ballett, blandet med modernistisk maleri,folklore og avantgardemusikk. Nydelig natur av Alexander Golovin førte seeren inn i en eventyrverden.

Det unike var at Diaghilevs nye ballett, kostymer til den var dekorert med gull og juveler, brodert med folkepynt og pels.

Medvirkende: T. Karsavina - Firebird, Mikhail Fokine - Ivan Tsarevich, V. Fokina - Princess, A. Bulgakov - Koschei.

Takket være balletten «Firebird» ble verden kjent med den store russiske komponisten Igor Stravinsky, som i de neste 18 årene skal samarbeide med Diaghilev og skape virkelig fantastisk musikk til ballettene «Petrushka», «The Rite of Spring og andre.

Dyagilevs ballett: ildfugl, kostymedesign for balletten, artist L. Bakst.

Den skandaløse fiaskoen til "Parade"

Som enhver stor artist, underordnet Diaghilev alt ideen om innovasjon, han var ikke redd for å være "prematur", for å gå mot strømmen.

Mange ballettforestillinger var noen ganger så avantgardistiske innen musikk, koreografi eller maleri at de ble misforstått av publikum, og deres betydning ble verdsatt mye senere.

Slik var det med den skandaløse fiaskoen til premieren i Paris av "The Rite of Spring" til musikken til Stravinsky, med den opprørende koreografien til "Faun" av Nijinsky, den første fremføringen av balletten "Parade" ventet på feilen.

Balletten ble satt opp i 1917. I forbindelse med forestillingen betydde ordet "parade" en invitasjon til bjeffere og rettferdige narrer før forestillingen, som invitererpublikum i sirkusboden. I form av annonser viste de publikum små utdrag fra forestillingen som venter dem.

Dette er en enakters ballett til musikk av Enrique Satie, scenograf og kostymedesigner Pablo Picasso, manus skrevet av Jean Cocteau, koreograf Leonid Myasin.

På bildet: kostymer til balletten "Parade", Diaghilev med ny produksjon i Paris.

Noen av Picassos kubistiske kostymer tillot bare danserne å gå rundt på scenen eller gjøre mindre bevegelser.

Den parisiske offentligheten betraktet kubisme som en tysk skapelse innen kunst. Og siden første verdenskrig pågikk, ble forestillingen oppfattet som en hån og en utfordring. Publikum ropte "Damn boshi!" og skyndte seg inn i kampen til scenen. I pressen ble den russiske balletten erklært nærmest forræder mot ideene om frihet.

Til tross for den første skandaløse forestillingen, ble denne balletten en overgangsmilepæl i det 20. århundres kunst, både innen musikk og scenemaleri. Og Satis ragtime-musikk ble senere tilpasset til en pianosolo.

Den siste turneen og noen interessante fakta fra livet til russisk ballett

Sergei Diaghilev regnes med rette som en av grunnleggerne av russisk showbusiness. Han legemliggjorde ikke bare alle tidens trender på scenen, men banet også vei for nye teknikker og stiler på andre nivåer: innen maleri, musikk, scenekunst.

Hans "Russian Seasons" inspirerer fortsatt kreative mennesker til å finne nye måter for kunstnerisk uttrykk for tiden.

Spesielle prestasjoner og fakta omDiaghilev russisk ballett:

• Det var 20 "Russian Seasons" tot alt, der ballett var involvert. Selv om Diaghilev opprinnelig ikke planla å inkludere ballettopptredener i konsertprogrammet.
• For oppsetningen av det åtte minutter lange ballettnummeret «Afternoon of a Faun» dirigerte V. Nijinsky tot alt nitti danseprøver.
• S. Diaghilev var en ivrig samler. I 1929 skaffet han seg brev fra A. Pushkin adressert til N. Goncharova i sin samling. De ble overlevert til ham før de dro på en omvisning i Venezia. Impresarioen kom for sent til toget og utsatte lesingen av brevene en stund etter slutten av omvisningen, og la samleobjektene i safen. Men han kom aldri tilbake fra Venezia.
• De siste som så Diaghilev var Misya Sert og Coco Chanel. De kom for å besøke ham under sykdommen. De bet alte også for begravelsen hans, siden Diaghilev ikke hadde penger med seg.
• Monumentet til Diaghilev i den ortodokse delen av kirkegården i San Michele er inngravert med en setning skrevet av den store impresarioen noen dager før hans død: «Venezia er den konstante inspiratoren til vår trygghet.»
• Igor Stravinsky og Joseph Brodsky er gravlagt nær graven til S. Diaghilev.